El Jardín de las delicias, El Bosco

‘‘Sin duda es propio de un espíritu de lo más miserable servirse siempre de lo creado y nunca de lo que ha de crearse’’ (el Bosco)

Antes de comenzar, he de confesar que el Bosco nunca ha sido uno de mis favoritos a la hora de planificar un recorrido de Obras Maestras por el museo... hasta ahora. A raíz de la gran exposición que está teniendo lugar por motivo del V centenario de su fallecimiento he podido conocer su obra de una forma distinta a cómo me lo habían enseñado en la carrera. Así que, animada por este nuevo descubrimiento, me lanzo a explicaros su gran obra maestra: El Jardín de las delicias.

El Bosco, El Jardín de las delicias, 1490-1500. Museo Nacional del Prado

En torno a 1490 Engelbrecht II de Nassau encargó al Bosco esta obra. Tras su muerte, siguió perteneciendo a sus descendientes hasta que fue confiscada a Guillermo de Orange en 1568 por el duque de Alba quien, para conocer el paradero de la obra, mandó torturar cruelmente al portero del palacio hasta hacerle confesar. Años más tarde la adquirió Felipe II de entre los bienes del hijo ilegítimo del duque de Alba, el prior don Fernando de Toledo. 

La obra está compuesta por tres tablas que representan, de izquierda a derecha, el Paraíso, el Jardín de las delicias y el Infierno.

Realistas de Madrid

A una semana de que termine, por fin he podido sacar un hueco para ver la exposición Realistas de Madrid en el Thyssen. En ella se muestran pinturas y esculturas realizadas por el grupo integrado por Amalia Avia, Antonio López, Francisco López, Julio López, María Moreno, Isabel Quintanilla y Esperanza Pavada. Se conocieron como estudiantes en Madrid y juntos comenzaron a desarrollar un arte de carácter realista, en clara oposición al arte abstracto que imperaba en el momento. En la exposición se destacan los paralelismos e influencias entre sus obras, lo que permite descubrir la sensibilidad propia de cada uno de ellos.

Antonio López Torres (sentado), Isabel Quintanilla, Antonio López García, Francesco (hijo de Isabel Quintanilla y de Francisco López), María Moreno y Francisco López en Tomelloso, 1973

La condesa de Chinchón, Goya

Goya, La condesa de Chinchón, 1800. Museo Nacional del Prado

Nos encontramos ante el maravilloso retrato de María Teresa de Borbón y Vallabriga, XV condesa de Chinchón y marquesa de Boadilla del Monte. Hija del infante don Luis Antonio de Borbón, hermano de Carlos III quien, por disposición real, prohibió a su hermano vivir en la Corte y a sus hijos emplear el apellido Borbón, negándoles además los derechos sucesorios al trono.

Al suceder Carlos IV a su padre, quiso reunir de nuevo a la familia y concertó el matrimonio de María Teresa, de entonces 16 años de edad, con Manuel Godoy (que aparece retratado en uno de los anillos que la joven lleva en el cuadro). Esta boda resultaba ventajosa para ambas partes: por un lado, Godoy ascendía socialmente al casarse con una Infanta de España, y, por otro, se permitía a la familia de María Teresa volver a la Corte y recuperar tanto el apellido Borbón como el reconocimiento de sus títulos nobiliarios.

Venus y Adonis, Tiziano

Tiziano, Venus y Adonis, 1554. Museo Nacional del Prado

Esta obra forma parte de un conjunto de obras, conocidas como las Poesías, encargadas por Felipe II a Tiziano y que decoraron las estancias privadas del monarca en el Alcázar de Madrid. El encargo consistía en la realización de un conjunto de pinturas de temática mitológica basadas en las Metamorfosis de Ovidio.

El Descendimiento, Rogier van der Weyden

Rogier van der Weyden, El Descendimiento, antes de 1443. Museo Nacional del Prado

La pintura, como su título indica, representa el descendimiento del cuerpo muerto de Cristo de la cruz. Esta obra tiene mucho en común con otras pinturas que representan la misma escena: aparecen los mismos personajes y se traslada el cuerpo de Jesús envuelto en una sábana blanca como muestra de respeto y de su condición divina. Sin embargo, van der Weyden quiere mostrar no sólo la muerte de Cristo en la cruz, sino también la Compassio Mariae, el sufrimiento padecido por la Virgen al presenciar la muerte de su hijo.

Obras Maestras del Museo del Prado

‘‘Nunca tendré la osadía de afirmar que realmente vi el Hermitage. Estuve en todas sus salas, eso es todo ’’(Stefan Zweig)

No pretendo ser menos que Stefan Zweig, así que no afirmaré que conozco el Museo del Prado, sólo que he estado en todas sus salas... varias veces. Pero como al final de lo que resulta más fácil hablar es de lo que se tiene más a mano, he pensado en dedicar una serie de posts a una selección de 10 Obras Maestras del Museo del Prado.

No ha sido fácil realizar esta selección: hay tanto donde elegir y de tan buena calidad que sabe mal escoger a unos para dejar a otros fuera, así que pido disculpas por todas aquellas obras que no han entrado en esta selección.

Bienvenidos al Museo del Prado

Almudena Ruiz del Árbol Moro

Dejarse tocar por el arte

Hoy he quedado a merendar con Anita (una de las coautoras de Sala 12 desde sus inicios) y después de un buen rato de conversación hemos acabado hablando del blog. Por un comentario suyo, me he dado cuenta de que lo que escribí en El segurata del museo, puede ser malinterpretado por no haber sabido expresar bien lo que quería decir.

En ningún momento he querido hacer un juicio de valor sobre una u otra profesión. Lo que quise expresar en esa entrada se puede resumir en 5 palabras: "Dejarse tocar por el arte".

Sé que aquella fue una entrada más personal de lo que acostumbro a escribir y esta vuelve a pecar de lo mismo, pero es algo de lo que quiero hablar.

Como historiadora del arte, con mucha frecuencia me veo en situaciones en las que, de una forma más o menos forzada, me convierto en una guía de arte: la gente te pide que le des datos, fechas, términos artísticos, biografías, explicaciones, análisis hasta el detalle... No voy a quejarme: me encanta hacer visitas y durante un tiempo viví exclusivamente de ello (y de hecho en ocasiones lo hago de forma gratuita en mi tiempo libre). Pero muchas veces echo de menos tener un poco de "intimidad", un tiempo de enfrentarme personalmente a la obra y dialogar con ella, sin textos, sin explicaciones, sin datos ni biografías. Sólo la obra y yo.

Admiro y aliento que la gente procure conocer mas sobre la historia y arte, es más, lo considero fundamental. Pero también creo que, para desarrollar un gusto auténtico por el arte, se debe dedicar tiempo a la contemplación.

Lo que quise expresar en aquella entrada fue mi alegría al encontrarme a alguien que se había dejado tocar por el arte. Y para eso no le hicieron falta ni libros, ni audioguías, ni historiadores: sólo se puso delante de un cuadro y se dejó tocar.

Almudena Ruiz del Árbol Moro

El segurata del museo

Me considero una persona afortunada: trabajo en un museo -el mejor de todos en mi humilde opinión- y tengo la enorme suerte de poder contemplar grandes obras de arte a diario, así como de conocer a los expertos que, día a día, escriben la historia del arte.

He asistido a muchas conferencias, y de todas ellas me gustan especialmente las que tratan temas de restauración. Quizá sea por la pasión con la que hablan los restauradores: después de muchos meses trabajando con la obra terminan empapados de su arte y la hacen suya, llegando a hablar de ella con un sentimiento casi maternal, con el orgullo de haberla visto crecer desde la ruina en la que la encontraron.

Para mi sorpresa, el otro día conocí a alguien que me habló del arte con una pasión que no esperaba de una persona de su profesión: un hombre del personal de seguridad del museo. Sin tener formación artística de ningún tipo -de hecho hace apenas un año que trabaja allí- habló sobre el arte con pasión, con mucha más pasión que la que a veces se puede encontrar en muchos historiadores.

Quién pudiera ser un Medici

Hace cosa de un mes, mientras repasaba antes de uno de mis exámenes del máster, escuché en radio clásica la entrevista a una violonchelista. No recuerdo su nombre, pero se me quedó grabada una parte de la conversación en la que comentaba que había podido adquirir un violonchelo antiguo de gran calidad gracias a la ayuda de un matrimonio extranjero que, después de escucharla en un concierto, se habían ofrecido a ser sus mecenas, apoyándola económicamente en todo lo que hiciera falta para su carrera.

Me quedé sorprendida y a la vez impresionada: me encanta que exista todavía por el mundo gente que, al puro estilo renacentista de la familia Medici, apuesta por los músicos y artistas de hoy en día, convirtiéndose en verdaderos mecenas de las artes. Esta chica, española por cierto y jovencísima, que ya figura como una de las grandes figuras de la música, podrá llegar a lo más alto gracias, a parte de su talento y su trabajo, a este matrimonio que decidió apostar por ella.

Rafael. Lorenzo de Medici. 1516-1519

No photos!

- ¿Se pueden hacer fotos?

- No, lo siento, no se puede.

- ¿Y sin flash?

Ésta es la eterna pregunta de todo visitante en un museo: ¿Fotos sí? ¿No? ¿Con flash? ¿Y a esa estatua? Y sobre todo: ¿por qué?

Se trata de una de las cuestiones en las que ni siquiera los museólogos e historiadores nos ponemos de acuerdo. Ciertos museos permiten hacer fotos en sus galerías -normalmente sin flash por cuestiones de conservación- pero muchos otros son muy contrarios a que se fotografíen sus obras.

SEÑORES DEL CIELO Y LA TIERRA. China en la Dinastía Han (206 a.C.-220 a.C.)

Flautisa y músico tocando el qin.
Terracotas. Dinastía Han del oeste.
206 a.C.-8 d.C.

El museo arqueológico de Alicante (MARQ) alberga estos días (14 de junio de 2014-11 de enero de 2015) la impresionante exposición sobre una de las culturas más antiguas y fascinantes del mundo,  la de la dinastía china Han. 

Al tiempo que la República de Roma consolidaba su poder en Hispania, tras la guerra contra su acérrima enemiga Cartago, un nuevo poder nacía en el lejano Oriente: la dinastía Han. Después de la guerra civil que puso fin a la dinastía Qin (221-206 a.C.), que había creado un sistema imperial basado en el poder autocrático y centralizado, ascendió al trono el primer monarca de la dinastía Han, Liu Bang, quien gracias al apoyo de pensadores y hombres de Estado, logró consolidar las instituciones de un sistema imperial que se mantuvo vigente hasta 1911. 

Ecos del pasado

Los museos no son cementerios de obras de arte, y el Museo del Prado se empeña este verano en demostrarlo saliendo al paso con dos exposiciones en las que se trata sobre el diálogo entre el pasado y el presente: de un lado El Greco y la Pintura Moderna, y de otro, Máscaras. Schommer.

Máscaras es el título de la serie fotográfica realizada en los años 80 por Alberto Schommer a intelectuales españoles contemporáneos entre los que se encuentran a personajes como Rafael Alberti, Camilo José Cela, Juana Mordó, Antonio López o Luis García Berlanga, entre otros.

A. Schommer, Juana Mordó, galerista. 1985

Teo en clase de latín

- ¿Sabes que Maripuri después de selectividad se ha apuntado a un curso de latín?

- ¡Qué dices! ¿Y por qué no estudia mejor inglés?

Esta conversación entre dos amigas que, con la mejor de sus intenciones, comentaban los planes de verano de Maripuri (a quien en este post he decidido llamar así para conservar su anonimato), muestra la influencia que puede llegar a tener en nosotros, sin apenas darnos cuenta, la sociedad mercantilista en la que vivimos.

Vermeer, Mujer leyendo una carta (detalle). 1663-1664. Amsterdam

En los últimos años he visto, con algo de pena, como niños de 3 y 4 años entraban una hora antes al colegio (teniendo que levantarse algunos a las 6 a.m.) para atender clases de chino. Sus padres, con toda su buena intención puesto que quieren lo mejor para ellos, pensaban que de este modo en un todavía lejano futuro, su carrera profesional se vería beneficiada si lograban dominar el chino con fluidez. No hay duda de que los idiomas que se aprenden de niño se afianzan con mas facilidad, pero ¿es necesario llegar al punto de quitarle al niño horas de sueño o de juego? ¿Qué les estamos enseñando? La vida ya es suficientemente compleja como para estar planificándosela a nuestros hijos desde la guardería.

Impresionistas cansinos

Queráis admitirlo o no, los impresionistas empiezan a ser ya un poco cansinos. Y no porque Manet, Monet, Pisarro, Renoir y demás no fueran buenos pintores, sino porque en los últimos –digamos– 10 años galerías y museos han sobreexplotado su pintura: durante este tiempo se han organizado al menos dos exposiciones anuales sobre el movimiento o alguno de los pintores impresionistas.

Si no lo creéis, aquí tenéis las fechas de las exposiciones sobre el impresionismo organizadas solamente en Madrid en los últimos 4 años:

2013: Museo Thyssen: Pisarro; Fundación Mapfre: Impresionistas y Postimpresionistas: el nacimiento del arte moderno; Museo Thyssen: Impresionismo y aire libre. De Corot a Van Gogh.

2012: Museo Thyssen: Berthe Morisot: La pintora impresionista;

2011: Museo Thyssen: Jardines impresionistas; Museo del Prado: Pasión por Renoir.

2010: Museo Thyssen: Monet y la abstracción; Fundación Mapfre: Impresionismo.

Todo esto, unido a las clásicas láminas con paisajes de Monet disponibles en toda tienda de decoración listas para enmarcar y colgar en tu salón. Y no hemos hablado todavía del merchandising.

Cuando me disponía a escribir esta entrada, comencé una conversación en Twitter con Cristina Alonso sobre este tema, y de ahí surgió la idea de realizar esta colaboración. Cristina aportó la mayor parte de las ideas del discurso, así que he pensado que lo mejor es que ella misma os las cuente, copiando a continuación el texto de su intervención.

Las niñas de Velázquez

Velázquez fue nombrado pintor real en 1623; desde entonces una de sus principales ocupaciones será retratar a la Familia Real, lo que lógicamente significaba estar en un trato continuo con cada uno de sus miembros. La exposición que se muestra ahora en el Museo del Prado está dedicada a los retratos realizados por Velázquez desde 1651, fecha en la que regresa de su segundo viaje a Italia, hasta el final de su vida en 1660.

Felipe IV estuvo casado dos veces: y tuvo muchos hijos con sus dos mujeres, pero sólo cinco de ellos fueron retratados por Velázquez ya que los otros fallecieron siendo aún demasiado niños. Con su primera mujer, Isabel de Borbón, tuvo a Baltasar Carlos (fallecido en 1646) y a María Teresa; con su segunda mujer, Mariana de Austria, tuvo a Margarita, Felipe (fallecido en 1661) y al futuro rey Carlos II.

Velázquez conoció a todos ellos desde la cuna, y le fue encargado retratarlos desde niños. En la exposición del Museo del Prado se tratan varios temas, pero lo que a mí más me ha gustado es el cariño que se trasluce en los retratos que el pintor realiza de las infantas.

Diego Velázquez, La infanta María Teresa. 1653. Metropolitan Museum of Art.

Mengs y Azara. El retrato de una amistad

José Nicolás de Azara, Antón Rafael Mengs.
Óleo sobre tabla, 77 x 61,5 cm, 1774. Madrid, Museo Nacional del Prado

El Museo de El Prado ha llevado a cabo la exposición de una serie de obras sobre los artistas Antón Rafael Mengs y José Nicolás de Azara, con motivo de la reciente adquisición por parte del Estado del retrato de José Nicolás de Azara realizado por el primero de los artistas mencionados en 1774.

         El retrato refleja el carácter íntimo y personal de Azara, que fue el diplomático español en Roma, durante los años de 1730 y 1804, y embajador de España ante Francia en la época de Napoleón.

No obstante, este retrato se acompaña de una serie de veinticuatro obras antiguas pertenecientes a la colección privada de Azara, quien, amante de las antigüedades, había participado en dos excavaciones arqueológicas. Estas colecciones fueron donadas a su muerte al monarca español Carlos IV, que acabarían siendo repartidas entre la Casa del Labrador de Aranjuez y el Museo de El Prado.

Roma en el bolsillo. Cuadernos de dibujo y aprendizaje artístico en el siglo XVIII.

“Traerán siempre consigo libros de memoria en que apuntar las obras más dignas que encuentren en los templos, palacios, jardines y fuentes, y los adornos antiguos y modernos donde quiera que los hallen.”

            Esta cita que recoge las instrucciones que los pensionados recibieron por parte de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando antes de partir a su viaje a Roma, resume magistralmente el contenido de la exposición que, en el edificio de la ampliación realizada por Moneo en el Museo de El Prado, se exhibe estos días.

Alegoría de las Artes, José del Castillo.
Cuaderno italiano I, p. 3, 1762, Madrid, Museo Nacional del Prado

Entre 1758 y 1764, un grupo de ocho artistas españoles acudieron a una de las ciudades que desde la Antigüedad había sido un foco constante de atracción artística: Roma.  La finalidad del viaje no fue otra que la de la formación íntegra de los mismos, -en sus distintas disciplinas: escultura, arquitectura y pintura-, en los conocimientos artístico estéticos de la Antigüedad, del Renacimiento y del Barroco. Así, arquitectos como Juan de Villanueva y Domingo Antonio Lois, escultores como Antonio Primo e Isidro Carnicero y los pintores José del Castillo, Mariano Salvador Maella o Antonio Martínez Espinosa, fueron enviados a la capital italiana.

           

Macchiaioli

Ayer por la tarde fui a visitar una de las exposiciones de Mapfre: Macchiaioli. Me habían hablado muy bien de ella y la verdad es que, aunque la esperaba diferente, me ha gustado.

Los macchiaioli fueron una serie de pintores que renovaron el arte italiano de una manera similar a como lo hicieron los impresionistas aunque, sorprendentemente, lo hicieron antes. Esto me llamó especialmente la atención pues nunca antes había oído hablar de ellos.

De igual modo que harían después los impresionistas, los macchiaioli se oponen a la pintura académica en la que se habían formado y persiguen un nuevo arte moderno. Los macchiaioli se caracterizan por un estilo sencillo, en la que predomina la simplificación de las formas y figuras, oponiéndose al realismo minucioso de la pintura anterior. De este modo, las escenas parecen estar formadas por una superposición de manchas de colores.

Giovanni Fattori, La torre roja. 1857.

Relájate y disfruta

Todos aquellos que hayan estudiado Historia del Arte y estén leyendo esto seguro que se sienten identificados con la siguiente situación:

- ¿Qué estudias?
- Historia del Arte.
- ¡Oh! ¡Qué bonito! A mí me gustaría estudiarlo cuando me jubile…

Inevitablemente, en ese momento intentas disimular con una sonrisa forzada y un “Ah, ¿sí?”.

Reflejos

Hace poco fui a visitar una "mini-exposición" que organizó el Thyssen dentro de su programa de <Miradas cruzadas>. En este tipo de muestras el museo exhibe una serie de cuadros de su colección agrupados en torno a un tema o una idea determinada, mostrando una perspectiva diferente a la que ofrece la exposición permanente. En esta ocasión, la exposición trataba sobre los Reflejos.

Uno de los temas que se muestran en la exposición es el del espejo como reflejo para representar lo que no se ve, lo que se encuentra enfrente del lienzo, “aquello que se encuentra frente a la superficie vacía del cuadro”.