El Jardín de las delicias, El Bosco

‘‘Sin duda es propio de un espíritu de lo más miserable servirse siempre de lo creado y nunca de lo que ha de crearse’’ (el Bosco)

Antes de comenzar, he de confesar que el Bosco nunca ha sido uno de mis favoritos a la hora de planificar un recorrido de Obras Maestras por el museo... hasta ahora. A raíz de la gran exposición que está teniendo lugar por motivo del V centenario de su fallecimiento he podido conocer su obra de una forma distinta a cómo me lo habían enseñado en la carrera. Así que, animada por este nuevo descubrimiento, me lanzo a explicaros su gran obra maestra: El Jardín de las delicias.

El Bosco, El Jardín de las delicias, 1490-1500. Museo Nacional del Prado

En torno a 1490 Engelbrecht II de Nassau encargó al Bosco esta obra. Tras su muerte, siguió perteneciendo a sus descendientes hasta que fue confiscada a Guillermo de Orange en 1568 por el duque de Alba quien, para conocer el paradero de la obra, mandó torturar cruelmente al portero del palacio hasta hacerle confesar. Años más tarde la adquirió Felipe II de entre los bienes del hijo ilegítimo del duque de Alba, el prior don Fernando de Toledo. 

La obra está compuesta por tres tablas que representan, de izquierda a derecha, el Paraíso, el Jardín de las delicias y el Infierno.

Realistas de Madrid

A una semana de que termine, por fin he podido sacar un hueco para ver la exposición Realistas de Madrid en el Thyssen. En ella se muestran pinturas y esculturas realizadas por el grupo integrado por Amalia Avia, Antonio López, Francisco López, Julio López, María Moreno, Isabel Quintanilla y Esperanza Pavada. Se conocieron como estudiantes en Madrid y juntos comenzaron a desarrollar un arte de carácter realista, en clara oposición al arte abstracto que imperaba en el momento. En la exposición se destacan los paralelismos e influencias entre sus obras, lo que permite descubrir la sensibilidad propia de cada uno de ellos.

Antonio López Torres (sentado), Isabel Quintanilla, Antonio López García, Francesco (hijo de Isabel Quintanilla y de Francisco López), María Moreno y Francisco López en Tomelloso, 1973

La condesa de Chinchón, Goya

Goya, La condesa de Chinchón, 1800. Museo Nacional del Prado

Nos encontramos ante el maravilloso retrato de María Teresa de Borbón y Vallabriga, XV condesa de Chinchón y marquesa de Boadilla del Monte. Hija del infante don Luis Antonio de Borbón, hermano de Carlos III quien, por disposición real, prohibió a su hermano vivir en la Corte y a sus hijos emplear el apellido Borbón, negándoles además los derechos sucesorios al trono.

Al suceder Carlos IV a su padre, quiso reunir de nuevo a la familia y concertó el matrimonio de María Teresa, de entonces 16 años de edad, con Manuel Godoy (que aparece retratado en uno de los anillos que la joven lleva en el cuadro). Esta boda resultaba ventajosa para ambas partes: por un lado, Godoy ascendía socialmente al casarse con una Infanta de España, y, por otro, se permitía a la familia de María Teresa volver a la Corte y recuperar tanto el apellido Borbón como el reconocimiento de sus títulos nobiliarios.

Venus y Adonis, Tiziano

Tiziano, Venus y Adonis, 1554. Museo Nacional del Prado

Esta obra forma parte de un conjunto de obras, conocidas como las Poesías, encargadas por Felipe II a Tiziano y que decoraron las estancias privadas del monarca en el Alcázar de Madrid. El encargo consistía en la realización de un conjunto de pinturas de temática mitológica basadas en las Metamorfosis de Ovidio.

El Descendimiento, Rogier van der Weyden

Rogier van der Weyden, El Descendimiento, antes de 1443. Museo Nacional del Prado

La pintura, como su título indica, representa el descendimiento del cuerpo muerto de Cristo de la cruz. Esta obra tiene mucho en común con otras pinturas que representan la misma escena: aparecen los mismos personajes y se traslada el cuerpo de Jesús envuelto en una sábana blanca como muestra de respeto y de su condición divina. Sin embargo, van der Weyden quiere mostrar no sólo la muerte de Cristo en la cruz, sino también la Compassio Mariae, el sufrimiento padecido por la Virgen al presenciar la muerte de su hijo.

Obras Maestras del Museo del Prado

‘‘Nunca tendré la osadía de afirmar que realmente vi el Hermitage. Estuve en todas sus salas, eso es todo ’’(Stefan Zweig)

No pretendo ser menos que Stefan Zweig, así que no afirmaré que conozco el Museo del Prado, sólo que he estado en todas sus salas... varias veces. Pero como al final de lo que resulta más fácil hablar es de lo que se tiene más a mano, he pensado en dedicar una serie de posts a una selección de 10 Obras Maestras del Museo del Prado.

No ha sido fácil realizar esta selección: hay tanto donde elegir y de tan buena calidad que sabe mal escoger a unos para dejar a otros fuera, así que pido disculpas por todas aquellas obras que no han entrado en esta selección.

Bienvenidos al Museo del Prado

Almudena Ruiz del Árbol Moro

Dejarse tocar por el arte

Hoy he quedado a merendar con Anita (una de las coautoras de Sala 12 desde sus inicios) y después de un buen rato de conversación hemos acabado hablando del blog. Por un comentario suyo, me he dado cuenta de que lo que escribí en El segurata del museo, puede ser malinterpretado por no haber sabido expresar bien lo que quería decir.

En ningún momento he querido hacer un juicio de valor sobre una u otra profesión. Lo que quise expresar en esa entrada se puede resumir en 5 palabras: "Dejarse tocar por el arte".

Sé que aquella fue una entrada más personal de lo que acostumbro a escribir y esta vuelve a pecar de lo mismo, pero es algo de lo que quiero hablar.

Como historiadora del arte, con mucha frecuencia me veo en situaciones en las que, de una forma más o menos forzada, me convierto en una guía de arte: la gente te pide que le des datos, fechas, términos artísticos, biografías, explicaciones, análisis hasta el detalle... No voy a quejarme: me encanta hacer visitas y durante un tiempo viví exclusivamente de ello (y de hecho en ocasiones lo hago de forma gratuita en mi tiempo libre). Pero muchas veces echo de menos tener un poco de "intimidad", un tiempo de enfrentarme personalmente a la obra y dialogar con ella, sin textos, sin explicaciones, sin datos ni biografías. Sólo la obra y yo.

Admiro y aliento que la gente procure conocer mas sobre la historia y arte, es más, lo considero fundamental. Pero también creo que, para desarrollar un gusto auténtico por el arte, se debe dedicar tiempo a la contemplación.

Lo que quise expresar en aquella entrada fue mi alegría al encontrarme a alguien que se había dejado tocar por el arte. Y para eso no le hicieron falta ni libros, ni audioguías, ni historiadores: sólo se puso delante de un cuadro y se dejó tocar.

Almudena Ruiz del Árbol Moro

Si Velázquez fuera fotógrafo: Pierre Gonnord

Hace poco he descubierto al fotógrafo francés Pierre Gonnord. Asentado en España desde 1988, dedica la mayor parte de su obra al género del retrato. De él se dice que es el fotógrafo "que dispara como pintaba Velázquez".

Pierre Gonnord, Friedrich, 2011 y Velázquez, Menipo, hacia 1638

El segurata del museo

Me considero una persona afortunada: trabajo en un museo -el mejor de todos en mi humilde opinión- y tengo la enorme suerte de poder contemplar grandes obras de arte a diario, así como de conocer a los expertos que, día a día, escriben la historia del arte.

He asistido a muchas conferencias, y de todas ellas me gustan especialmente las que tratan temas de restauración. Quizá sea por la pasión con la que hablan los restauradores: después de muchos meses trabajando con la obra terminan empapados de su arte y la hacen suya, llegando a hablar de ella con un sentimiento casi maternal, con el orgullo de haberla visto crecer desde la ruina en la que la encontraron.

Para mi sorpresa, el otro día conocí a alguien que me habló del arte con una pasión que no esperaba de una persona de su profesión: un hombre del personal de seguridad del museo. Sin tener formación artística de ningún tipo -de hecho hace apenas un año que trabaja allí- habló sobre el arte con pasión, con mucha más pasión que la que a veces se puede encontrar en muchos historiadores.

Quién pudiera ser un Medici

Hace cosa de un mes, mientras repasaba antes de uno de mis exámenes del máster, escuché en radio clásica la entrevista a una violonchelista. No recuerdo su nombre, pero se me quedó grabada una parte de la conversación en la que comentaba que había podido adquirir un violonchelo antiguo de gran calidad gracias a la ayuda de un matrimonio extranjero que, después de escucharla en un concierto, se habían ofrecido a ser sus mecenas, apoyándola económicamente en todo lo que hiciera falta para su carrera.

Me quedé sorprendida y a la vez impresionada: me encanta que exista todavía por el mundo gente que, al puro estilo renacentista de la familia Medici, apuesta por los músicos y artistas de hoy en día, convirtiéndose en verdaderos mecenas de las artes. Esta chica, española por cierto y jovencísima, que ya figura como una de las grandes figuras de la música, podrá llegar a lo más alto gracias, a parte de su talento y su trabajo, a este matrimonio que decidió apostar por ella.

Rafael. Lorenzo de Medici. 1516-1519

Ni eran reyes ni eran tres

Y Baltasar tampoco era negro.

La iconografía de los Reyes Magos, que desde hace varios siglos se encuentra muy definida, es un ejemplo de la riqueza de la iconografía cristiana. Su representación en el arte ha evolucionado muchísimo a lo largo de los siglos y, para tratarse de unos personajes secundarios que apenas aparecen mencionados en los evangelios, tienen una gran carga simbólica dentro de las escenas dedicadas a la Navidad.

El sueño de los Reyes Magos, Capitel de Saint-Lazare, Autun, Francia. Siglo XII

No photos!

- ¿Se pueden hacer fotos?

- No, lo siento, no se puede.

- ¿Y sin flash?

Ésta es la eterna pregunta de todo visitante en un museo: ¿Fotos sí? ¿No? ¿Con flash? ¿Y a esa estatua? Y sobre todo: ¿por qué?

Se trata de una de las cuestiones en las que ni siquiera los museólogos e historiadores nos ponemos de acuerdo. Ciertos museos permiten hacer fotos en sus galerías -normalmente sin flash por cuestiones de conservación- pero muchos otros son muy contrarios a que se fotografíen sus obras.

Ecos del pasado

Los museos no son cementerios de obras de arte, y el Museo del Prado se empeña este verano en demostrarlo saliendo al paso con dos exposiciones en las que se trata sobre el diálogo entre el pasado y el presente: de un lado El Greco y la Pintura Moderna, y de otro, Máscaras. Schommer.

Máscaras es el título de la serie fotográfica realizada en los años 80 por Alberto Schommer a intelectuales españoles contemporáneos entre los que se encuentran a personajes como Rafael Alberti, Camilo José Cela, Juana Mordó, Antonio López o Luis García Berlanga, entre otros.

A. Schommer, Juana Mordó, galerista. 1985

Teo en clase de latín

- ¿Sabes que Maripuri después de selectividad se ha apuntado a un curso de latín?

- ¡Qué dices! ¿Y por qué no estudia mejor inglés?

Esta conversación entre dos amigas que, con la mejor de sus intenciones, comentaban los planes de verano de Maripuri (a quien en este post he decidido llamar así para conservar su anonimato), muestra la influencia que puede llegar a tener en nosotros, sin apenas darnos cuenta, la sociedad mercantilista en la que vivimos.

Vermeer, Mujer leyendo una carta (detalle). 1663-1664. Amsterdam

En los últimos años he visto, con algo de pena, como niños de 3 y 4 años entraban una hora antes al colegio (teniendo que levantarse algunos a las 6 a.m.) para atender clases de chino. Sus padres, con toda su buena intención puesto que quieren lo mejor para ellos, pensaban que de este modo en un todavía lejano futuro, su carrera profesional se vería beneficiada si lograban dominar el chino con fluidez. No hay duda de que los idiomas que se aprenden de niño se afianzan con mas facilidad, pero ¿es necesario llegar al punto de quitarle al niño horas de sueño o de juego? ¿Qué les estamos enseñando? La vida ya es suficientemente compleja como para estar planificándosela a nuestros hijos desde la guardería.

La fuerza del destino

Si existiera una posibilidad real de conseguirlo, ¿os gustaría que os predijesen el futuro y os advirtieran de lo que os tiene preparado la vida? En la mitología clásica encontramos varios ejemplos de lo que puede ocurrir cuando te predicen el futuro.

Hécuba, reina de Troya, estando embarazada tuvo un sueño en el que daba a luz a una antorcha que incendiaría la ciudad, simbolizando que sería el hijo que llevaba dentro quien causaría la ruina de Troya. Nada más nacer, el rey Príamo ordenó a su criado Agelao que abandonara al pequeño Paris, pero el criado se apiadó del bebé y decidió criarlo a escondidas, mientras que sus padres lo daban por muerto.

Into the wonder

Ayer por la noche ví un vídeo que ha dado un giro a mi vida. No la ha llevado por un camino nuevo, pero la ha reconducido por uno que, sin darme cuenta, había comenzado a abandonar: el asombro.

El 29 de marzo en la Universidad de Navarra organizó un evento de charlas TedX en torno al tema del asombro. En su intervención, Lupe de la Vallina habló sobre el asombro como herramienta de trabajo. A continuación os dejo el vídeo:

¿Quieres ser original?

Hoy en día la originalidad parece ser el valor que más importa a la hora de analizar la calidad de una obra de arte. Este concepto que tenemos sobre la originalidad puede llegar a ser un poco peligroso: pensamos que ser original es hacer algo nuevo, completamente distinto a todo lo que han hecho otros con anterioridad. Da igual lo que hagas, pero que sea diferente.

Damien Hirst, Away from the Flock (Divided). 1995.

Impresionistas cansinos

Queráis admitirlo o no, los impresionistas empiezan a ser ya un poco cansinos. Y no porque Manet, Monet, Pisarro, Renoir y demás no fueran buenos pintores, sino porque en los últimos –digamos– 10 años galerías y museos han sobreexplotado su pintura: durante este tiempo se han organizado al menos dos exposiciones anuales sobre el movimiento o alguno de los pintores impresionistas.

Si no lo creéis, aquí tenéis las fechas de las exposiciones sobre el impresionismo organizadas solamente en Madrid en los últimos 4 años:

2013: Museo Thyssen: Pisarro; Fundación Mapfre: Impresionistas y Postimpresionistas: el nacimiento del arte moderno; Museo Thyssen: Impresionismo y aire libre. De Corot a Van Gogh.

2012: Museo Thyssen: Berthe Morisot: La pintora impresionista;

2011: Museo Thyssen: Jardines impresionistas; Museo del Prado: Pasión por Renoir.

2010: Museo Thyssen: Monet y la abstracción; Fundación Mapfre: Impresionismo.

Todo esto, unido a las clásicas láminas con paisajes de Monet disponibles en toda tienda de decoración listas para enmarcar y colgar en tu salón. Y no hemos hablado todavía del merchandising.

Cuando me disponía a escribir esta entrada, comencé una conversación en Twitter con Cristina Alonso sobre este tema, y de ahí surgió la idea de realizar esta colaboración. Cristina aportó la mayor parte de las ideas del discurso, así que he pensado que lo mejor es que ella misma os las cuente, copiando a continuación el texto de su intervención.

Música callada

English Version

 

El año pasado tuve la suerte de poder acudir a una de las conferencias que, dentro del curso Enfoques organizado por la Fundación de Amigos del Museo del Prado, impartió la profesora María Nagore. Bajo el título “Música callada”, la conferencia trataba sobre las similitudes entre la obra del Greco y la del compositor Tomás Luis de Victoria.

La clase tuvo lugar a “pie de obra”, frente a la Adoración de los pastores pintada por el Greco en torno a 1614, y su fin era mostrarnos los paralelismos que hay entre esta obra y la composición O magnum misterium de Tomás Luis de Victoria, haciéndonos ver la “música callada” de la pintura.

El Greco. La Anunciación (detalle), 1597-1600. Museo del Prado

El ¿arte? de la Alta Costura

Uno de los grandes problemas a la hora de decir si algo es o no es arte es que nadie se pone de acuerdo en qué es el arte. Unos opinan que el arte debe ser bello, pero entonces ¿qué pasa con las Pinturas Negras de Goya?; otros, que solamente lo son las "Artes Mayores", ¿despreciamos entonces las "artes menores"?; otros, que debe ser realizado dentro de un ámbito artístico reglado, con sus marchantes, conservadores y galerías, ¿excluimos por tanto las tablas medievales?; y por último hay quien piensa que TODO es arte, por lo tanto ¿también lo es una bombilla?

Una de las características propias del ser humano es su capacidad de creación: crear es propio del espíritu. Mientras que los animales se limitan a sobrevivir (de una forma más o menos original), el hombre crea: no sólo se alimenta, sino que crea la cocina; no sólo se resguarda del frío, sino que construye casas y palacios; y no sólo se cubre el cuerpo, sino que crea la moda… y la Alta Costura.

Christian Dior. Alta Costura Otoño-Invierno 2010-2011